Ser un músico independiente no es fácil, pues además de todo lo que implica hacer música, debes estar pendiente e involucrado en todo lo que orbita alrededor: organización de eventos, gestión de medios de comunicación, búsqueda de presentaciones, redes sociales, grabaciones, productos, streaming, análisis de datos, creación de contenido, y mucho más.
Con este abanico de responsabilidades, resulta lógico que de pronto se cometan errores que son comunes en la autogestión musical y evitarlos podría ahorrarte no solo problemas, sino tiempo y dinero, además de hacerte ver profesional con tu público, con posibles contratantes o marcas patrocinadoras.
Por eso aquí escribo sobre algunos de los errores más comunes de la autogestión musical:
1. Trabajar sin rumbo o dirección
La música es un trabajo que necesita dedicación. Un error esencial de la autogestión musical, es trabajar sin rumbo. Básicamente, hacer música por hacer.
He conocido muchas bandas que publican canciones o discos excelentes pero que simplemente, no pasa nada con ellos. Existe el talento, existe la buena música, pero no tienen un rumbo claro, no hay un plan. ¿Qué quiero lograr con este disco? ¿Qué voy a hacer para sacarle el jugo a mi canción? ¿Dónde y con quién me voy a presentar para promocionar mi música? ¿A dónde quiero llegar con mi carrera? ¿Cuál es mi público objetivo?
La música es un trabajo de ensueño y por lo mismo hay que soñar alto, pero para llegar a ese sueño no se trata de ganarse la lotería con un éxito, se trata de trabajo y planificación, se trata de saber hacia dónde dirigir la carrera musical. Mientras más claro se tenga el rumbo, mejores decisiones de autogestión se toman, algo vital para un éxito sostenible a través de los años.
Hoy en día, ese plan debe incluir objetivos claros para plataformas digitales, metas de streaming mensual, estrategias de contenido y fechas específicas para lanzamientos.
2. No valorar tu música y tu trabajo
Este quizá sea el error más común de los músicos y artistas independientes emergentes. Aunque hay que decir, que algunos lo siguen cometiendo a pesar de llevar ya varios años en la escena.
Valorar tu música no solamente implica el dinero, también implica ese valor intangible que va más allá. Tú mejor que nadie sabe cuánto vale tu música, cuánto valen tus horas de ensayo, y cuánto tiempo, sudor y dinero inviertes en tus composiciones, presentaciones, discos, grabaciones, videos, etc.
No se trata tampoco de ser inflexible. Por ejemplo, si no vas a cobrar una presentación, debes estar seguro del por qué y qué pretendes recibir a cambio. Si el objetivo es «darte a conocer» (como muchos cuando están empezado), asegúrate que el contratante haga todo lo necesario por promocionar la presentación y darte a conocer, porque ese es el precio de tu presentación en ese momento. Si te quedas pasivo y no exiges, lo más seguro es que te presentes gratis y solo el contratante gane.
Ahora bien, si regalas un disco, cerciórate que se enteren cuánto te costó hacerlo, diles qué esperas que hagan con él (escucharlo, compartirlo, darle difusión en algún medio, etc.). El punto es que todos deben saber que tu música vale, aunque ocasionalmente, no sea dinero.
Establece un precio para tus presentaciones y no lo bajes. Probablemente habrán quienes no te contraten, pero los que sí, sabrán tu valor. No bajes el precio solo porque otro artista está cotizando más barato; además de desleal, le restas valor a la música de todos.
No dejes de registrar tu música en las sociedades de gestión colectiva como Musicartes en Guatemala. De esta forma te aseguras que todos los que usen tu música, paguen. Esto también es parte de darle valor a lo que haces.
3. No estar pendiente de tus contactos
Internet nos ha dado muchas facilidades para estar en comunicación. Ahora cualquier persona interesada en tu música puede contactarte en segundos. El problema empieza cuando ese primer contacto nunca obtiene una respuesta o es contactado demasiado tarde.
Si has publicado una lista de contactos en internet, asegúrate de atenderlos siempre. Si en la lista hay un correo electrónico, revísalo a diario. La mayoría de oportunidades se pierden cuando las respuestas por correo llegan semanas después.
Contesta los mensajes de tus redes sociales tan pronto como puedas, incluso aquellos que son de parte de tus admiradores. Este acercamiento con las personas que consumen tu música, es vital. Recuerda que en redes sociales, el algoritmo favorece a cuentas que responden rápido y mantienen conversaciones activas.
Si publicas un número de teléfono, confirma que esté disponible la mayoría del tiempo. Si por el contrario, solo puedes contestar a ciertas horas, deja un mensaje automático para que sepa que pronto devolverás la llamada o en el caso extremo, mejor no lo listes entre tus contactos y mejor usa un correo electrónico. El punto de poner un teléfono en tus contactos, es que la respuesta sea inmediata.
Considera usar herramientas como WhatsApp Business o chatbots para automatizar algunas respuestas básicas, pero nunca olvides el toque personal.
Considera usar herramientas como WhatsApp Business o chatbots para automatizar algunas respuestas básicas, pero nunca olvides el toque personal.
4. No saber invertir los recursos
Cuando una banda o músico independiente inicia su carrera, suele ser común que los pocos recursos disponibles se gasten en cosas que de pronto no son prioridad. Esto es veneno para las finanzas, no solo del proyecto musical, sino personales. Si se trata de una banda, suele desgastar la relación entre sus integrantes.
La idea es invertir los recursos de forma inteligente. Por ejemplo, hay gastos que podrían moderarse (o no hacerse), como la publicidad excesiva en redes sociales sin estrategia clara, la fabricación de soportes físicos para la música (CDs, memorias USB, vinilos, etc.) sin demanda real, instrumentos caros innecesarios, estadías en hoteles de lujo, viáticos elevados y pagos desmedidos a promotores, relacionistas públicos, etc. Todo depende de las necesidades y el presupuesto del artista.
Por otro lado, siempre es bueno invertir en una buena producción musical (estudio, productor, mezcla y masterización), en educación musical, en videos de calidad (no necesariamente caros), en fees para publicar tu música en plataformas musicales, en herramientas de análisis de datos, y en publicidad digital bien segmentada.
En 2025, también es clave invertir en distribución digital profesional, en software para gestionar tu música, y en capacitación sobre marketing digital y análisis de métricas.
En una carrera musical siempre habrá que invertir, pero en definitiva, la calidad de la inversión vale mucho más que la cantidad.
5. No cuidar tus relaciones públicas
Una industria musical está formada principalmente de cuatro piezas fundamentales: artistas, público, lugares para presentaciones y medios de comunicación.
En una industria tan pequeña como la de Guatemala, tener buenas relaciones con todos es clave. Ser una persona conflictiva en este ambiente no sirve de nada, al contrario, cierra puertas y hace más complicado el avance de un proyecto musical. Por esa razón, toma en cuenta:
Las buenas relaciones con los medios de comunicación permiten mantener las puertas abiertas y la posibilidad de promocionar tu música. Esto incluye ahora podcasts, canales de YouTube, influencers musicales y medios digitales.
Si te llevas bien con los lugares, tienes más opciones para presentaciones. Esto se extiende a plataformas de streaming que curan playlists y organizadores de festivales.
Buenas relaciones con otros artistas, dan lugar a alianzas que se traducen en más trabajo para todos y en una red de experiencias. Las colaboraciones hoy pueden potenciar tu alcance exponencialmente.
Y por último, respetar y relacionarse bien con el público, ya sea propio o de otros artistas, ayuda a que siempre exista gente dispuesta a consumir tu música.
Al final, la mejor promoción siempre es la de boca en boca, pero ahora se amplifica a través de compartir en redes sociales y playlists.
6. Ignorar los datos y métricas
Uno de los errores más grandes en la era digital es no prestar atención a los números que te dan las plataformas. Spotify for Artists, YouTube Analytics, Instagram Insights y Facebook Analytics te dicen exactamente quién escucha tu música, cuándo, dónde y cómo.
Si no analizas estos datos, estás perdiendo información valiosa sobre tu audiencia. ¿Cuántas veces has subido una canción y nunca revisaste cuántas reproducciones tuvo? ¿O subiste un video sin ver de dónde vienen más visualizaciones?
Estos datos te ayudan a tomar mejores decisiones: en qué ciudades hacer presentaciones, qué tipo de contenido crear, a qué hora publicar, qué canciones promocionar más, etc. No se trata de obsesionarse con los números, sino de usarlos como brújula para tu carrera.
7. No tener presencia digital consistente
Tener redes sociales no es suficiente; hay que usarlas bien. Muchos músicos crean perfiles en todas las plataformas pero luego los abandonan o publican contenido sin estrategia.
Tu presencia digital debe ser coherente: mismo nombre de usuario, misma imagen de perfil, misma biografía adaptada a cada plataforma. Pero más importante, debe ser constante. Es mejor estar activo en dos redes sociales que tener diez abandonadas.
Planifica tu contenido, no solo subas cuando tengas algo nuevo. Comparte el proceso creativo, covers, versiones acústicas, detrás de cámaras, interacción con fans, etc. El público quiere conocer al artista detrás de la música.
8. No diversificar las fuentes de ingresos
Muchos músicos independientes cometen el error de depender solo de presentaciones en vivo o de las regalías de streaming. Ambas son importantes, pero no suficientes.
Explora otras fuentes de ingresos: venta de merchandise, clases de música, sesiones de grabación para otros artistas, composición para terceros, licenciamiento de música para publicidad o contenido audiovisual, crowdfunding para proyectos específicos, patrocinios con marcas afines, etc.
Entre más diversificadas sean tus fuentes de ingreso, más estable será tu carrera musical. No pongas todos los huevos en una sola canasta.
9. No proteger tu música legalmente
Más allá de registrar tu música en Musicartes, es importante que protejas tu obra intelectual. Esto incluye registrar tus canciones en otras sociedades de gestion (autores) y ante el Registro de la Propiedad Intelectual (es optativo pero es una buena idea), tener contratos claros y split sheets con colaboradores, productores y estudios de grabación.
Si trabajas con otros músicos, define desde el inicio quién es autor de qué, cómo se repartirán las regalías, quién puede usar la música y bajo qué condiciones. Un acuerdo verbal no es suficiente; todo debe quedar por escrito.
También considera tener contratos modelo para presentaciones, colaboraciones y licenciamiento. Te ahorrará problemas legales y malentendidos futuros.
10. No aprender sobre la industria musical
La industria musical cambia constantemente, especialmente en la era digital. Lo que funcionaba hace cinco años, puede no funcionar hoy. Es fundamental mantenerse actualizado sobre tendencias, cambios en plataformas, nuevas herramientas, modificaciones en los algoritmos, etc.
Lee blogs especializados, sigue a profesionales de la industria, asiste a conferencias y talleres, forma parte de comunidades de músicos independientes. El conocimiento es poder, y en una industria tan competitiva, estar informado te da ventaja.
No tengas miedo de experimentar con nuevas plataformas o estrategias. Los primeros en adoptar nuevas herramientas suelen obtener mejores resultados.
La autogestión musical no es fácil, pero evitando estos errores comunes podrás enfocar mejor tus esfuerzos y recursos. Recuerda que ser músico independiente significa ser también empresario de tu propia carrera. Entre más profesional sea tu enfoque, mejores serán los resultados.
La clave está en encontrar el equilibrio entre la creatividad artística y la eficiencia empresarial, sin perder nunca de vista que al final, todo se trata de conectar con las personas a través de tu música.